Японское искусство. Естественные условия часто страдающей от землетрясений страны и недостаток соответствующего строительного матерьяла были причинами того, что из всех искусств архитектура менее всего развилась в Я. Лишь за последнее десятилетие по планам берлинских архитекторов Бекмана и Энде в Токио начали сооружаться монументальные постройки правительственных и административных учреждений (имп. дворец, министерства, здание парламента, университета и т. п.), в которых туземные декоративные мотивы соединяются с европейскими формами ренессанса. Остальные же японские постройки: храмы, жилые дома и лавки построены б. ч. из дерева, бамбукового тростника и толстой папки и покоятся иногда на фундаменте из кирпича или щебня (см. Табл. „Японская культура I“, фиг. 4, 8 и 9). Пластика в Я. также не произвела ничего монументального, но, за исключением изображений буддийских богов, образцы которых вывезены были из Китая, ограничивается мелкими изделиями из бронзы, глины, слоновой кости, дерева и т. д.
Наибольшего развития своего японское искусство достигло в живописи, как в самостоятельных произведениях, так и в применении к декоративным художественно-промышленным целям (фарфор, фаянс, лаковые работы и т. д.). История японской живописи известна нам также более, нежели история других отраслей японского искусства, благодаря двум большим коллекциям японских картин, привезенных в Европу. Одна из них, коллекция Андерсона, находится в Британском музее в Лондоне, другая, коллекция Гирке — в музее народоведения в Берлине. К японской живописи нельзя применять ту мерку, которой мы мерим японские произведения искусства, потому что и цели, и средства совершенно иные. Перспектива пространства и воздуха неизвестны японскому живописцу, и лишь в XIX в. некоторые художники пробовали применить ее. Затем у японцев совершенно отсутствует представление о свето-тени, они не умеют передать естественные переходы в освещении, у них нет ни бликов, ни рефлексов, лишь путем условных теней и вспомогательных средств они стараются придать предметам выпуклость, рельеф. Так как японский художник в черном предмете, в платье, например, не может оттенить складки, то он проводит линию складки белым или внутренние линии предмета оставляет незакрашенными на светлом фоне. Причина незнания японскими художниками линейной перспективы, а также условность из теней, кроется в подражании древне-китайским образцам, влияние которых и по сие время еще не исчезло. Поэтому японская живопись на европейский взгляд всегда сохранит эскизный декоративный характер. Зато в этих границах японское искусство достигло большого совершенства. Японский художник пишет только на шелку или бумаге, тушью или разведенными клеем водяными красками. По форме японские картины разделяются на какемоно (висящие вещи), макимоно (свернутые вещи) и орибоны (складные книги). Складные ширмы и картины в рамках также занимают известное место в японском искусстве. Самая употребительная для украшения комнат форма картин — какемоно. Это не особенно длинная и не очень широкая полоса бумаги или шелковой материи, наклеенная на толстый холст и окаймленная рамкой из цветного штофа. На узких концах какемоно приделаны палочки, на которые картина в случае надобности может быть навернута. Японцы никогда не вешают в комнате более двух-трех картин, и только на одной стене, причем сюжеты картин должны быть однородны между собой. Макимоно представляет собой узкую полоску различной длины, которая хранится свернутой и не составляет постоянного украшения комнаты, подобно какемоно. Особенное внимание обращают японцы на выделку хороших кистей для живописи. Форма и число кистей различны у отдельных школ живописи. Так, напр., школа Тозы, специальность которой мелочная миниатюрная отделка малейших деталей, употребляет круглые, тонкие и заостренные кисти; школа Кано, напротив, пользуется плоскими широкими кистями для своих картин, писанных тушью.
Живопись проникла в Японию из Китая через Корею более тысячелетия тому назад. В первые века искусство вообще служило исключительно целям буддийской религии. Особенную славу между последователями китайской живописи в Я. стяжал себе Казе-но-кана-ока. В выборе своих мотивов Кана-ока и его преемники были стеснены требованиями буддийского стиля, который почти без изменений сохранился до нашего времени. Из подражания китайско-корейским образцам возникла в XI и XII в. национально-японская школа Ямато-риу, которая с XIII в. — эпохи своего высшего расцвета, — приняла имя Тоза-риу.
Место религиозных мотивов заступили картины из народного быта, турниры, битвы, сцены из придворной жизни. Стиль Тоза, по тонкости отделки, а также по яркости колорита, напоминает индо-персидскую миниатюру. Детали, неодушевленные предметы, цветы, птицы выписаны с мелочной тщательностью, зато чувство и концепция картин вполне условны, изображение человеческой фигуры неверно, плоско и непонятно. В XIV и XV в. замечается возвращение к китайскому влиянию в науке и в искусстве, а, следовательно, возрождение эскизного направления Кано-оки. Главные художники этого периода Хо-денсу (1331—1427) и Иосетсу. Первый писал преимущественно фигуры, второй пейзаж. Рядом с последним, пейзажистами первой величины считаются Сога-Шиубун и Семиу (1421—1507).
Возвращение китайского влияния привело в XV в. в школе Кано, названной так по имени главных представителей ее Кано Масанобу и сына его Кано-Мотонобу. Не избегая совершенно сюжетов из национальной истории и жанровых сцен, они пишут преимущественно пейзаж, изображения животных и растений (см. Табл. „Японская культура II“, фиг. 20). Придерживаясь сначала более живописи черным и белым, они выработали впоследствие более декоративное направление с применением красок и золота. Однако, характерной чертой школы, сообразно с ее китайским происхождением, остается виртуозная, быстрая работа самыми простыми средствами. Знаменитейшими из позднейших мастеров школы Кано были: Кано Утаносуке, лучший изобразитель птиц и цветов, Кано-Иетоку (ум. 1590), выработавший замечательно живой и яркий колорит и в XVII Таниу, или Маринобу.
Во время управления шогунов-Токугава в XVII в. от школы Тоза начало отделяться новое направление, представители которого изображают преимущественно сцены из жизни простого народа. Эта народная школа, Укио-ийе, находится в пренебрежении у знатоков японского искусства; европейцы же познакомились прежде всего с этой школой, возбудившей в Европе всеобщее удивление. Она имеет громадное влияние на японское искусство вообще, главным образом потому, что художники школы Укио-ийе стали пользоваться гравюрой на дереве для воспроизведения своих картин. К бесчисленным приверженцам народной школы принадлежат: Миогава Шошун, Тории Кионобу и самый знаменитый из них Хокусай. 1814 появилось его знаменитое произведение „Мангва“, содержащее эскизы и модели для художественной промышленности. Хотя и не признанный художниками на родине, Хокусай приобрел широкую известность и сделался главой огромной школы. Но приверженцы и подражатели Хокусая не единственные представители современного японского искусства. Школы Тоза и Кано все еще существуют; однако, со времени специального и политического преобразования страны под европейским влиянием интерес к искусству понизился и само искусство находится до известной степени в пренебрежении. См. Gierke, „Katalog zur Ausstellung der japanichen Malereien im Berliner Kunstgewerbemuseum“ (1882); Alkock, „Art and art industries in Japan“ (Лонд., 1878); Gonse, „L’art japonais“ (Пар. 1883); Audsley, „The ornamental arts of Japan“ (Лонд., 1885); Anderson, „The pictorial arts of Japan“ (1886); Brinckmann, „Kunst und Handwerk in Japan“ (Берл., (1889); Bowes, „Japanese pottery“ (Ливер., 1892).